A sinfonia é a forma mais monumental de música instrumental. Além disso, esta afirmação é verdadeira para qualquer época - tanto para a obra dos clássicos vienenses, como para os românticos, e para os compositores de movimentos posteriores...

Alexandre Maikapar

Gêneros musicais: Sinfonia

A palavra sinfonia vem do grego “sinfonia” e possui vários significados. Os teólogos chamam isso de guia para o uso das palavras encontradas na Bíblia. O termo é traduzido por eles como acordo e acordo. Os músicos traduzem esta palavra como consonância.

O tema deste ensaio é a sinfonia como gênero musical. Acontece que num contexto musical, o termo sinfonia contém vários significados diferentes. Assim, Bach chamou suas maravilhosas peças para sinfonias para cravo, significando que representam uma combinação harmônica, uma combinação - consonância - de várias (neste caso, três) vozes. Mas esse uso do termo já era uma exceção na época de Bach - na primeira metade do século XVIII. Além disso, na obra do próprio Bach, denotava música de um estilo completamente diferente.

E agora chegamos perto do tema principal do nosso ensaio - a sinfonia como uma grande obra orquestral com várias partes. Nesse sentido, a sinfonia surgiu por volta de 1730, quando a introdução orquestral à ópera foi separada da própria ópera e transformada em uma obra orquestral independente, tomando como base uma abertura de três partes do tipo italiano.

O parentesco da sinfonia com a abertura se manifesta não apenas no fato de que cada uma das três seções da abertura: rápido-lento-rápido (e às vezes até uma introdução lenta a ela) se transformou em uma parte independente e separada da sinfonia, mas também no fato de que a abertura deu à sinfonia um contraste ideal dos temas principais (geralmente masculino e feminino) e assim dotou a sinfonia da tensão dramática (e dramatúrgica) e da intriga necessária para a música de grandes formas.

Princípios construtivos da sinfonia

Montanhas de livros e artigos musicológicos são dedicados à análise da forma da sinfonia e sua evolução. O material artístico representado pelo gênero sinfônico é enorme tanto em quantidade quanto em variedade de formas. Aqui podemos caracterizar os princípios mais gerais.

1. A sinfonia é a forma mais monumental de música instrumental. Além disso, esta afirmação é verdadeira para qualquer época - para a obra dos clássicos vienenses, e para os românticos, e para os compositores de movimentos posteriores. A Oitava Sinfonia (1906) de Gustav Mahler, por exemplo, grandiosa em design artístico, foi escrita para um enorme - mesmo de acordo com as ideias do início do século 20 - elenco de intérpretes: uma grande orquestra sinfônica expandida para incluir 22 instrumentos de sopro e 17 instrumentos de sopro, a partitura também inclui dois coros mistos e um coral masculino; a isto somam-se oito solistas (três sopranos, dois contraltos, um tenor, um barítono e um baixo) e uma orquestra de bastidores. Muitas vezes é chamada de "Sinfonia dos Mil Participantes". Para realizá-lo é necessário reconstruir o palco mesmo de salas de concerto muito grandes.

2. Visto que a sinfonia é uma obra multimovimento (três, muitas vezes quatro, e às vezes cinco movimentos, por exemplo, “Pastoral” de Beethoven ou “Fantastique” de Berlioz), é claro que tal forma deve ser extremamente elaborada a fim de eliminar a monotonia e a monotonia. (Uma sinfonia de um movimento é muito rara; um exemplo é a Sinfonia nº 21 de N. Myaskovsky.)

Uma sinfonia sempre contém muitas imagens, ideias e temas musicais. Estão de uma forma ou de outra distribuídas entre as partes, que, por sua vez, por um lado, contrastam entre si, e por outro, formam uma espécie de integridade superior, sem a qual a sinfonia não será percebida como uma obra única. .

Para se ter uma ideia da composição dos movimentos da sinfonia, fornecemos informações sobre diversas obras-primas...

Mozart. Sinfonia nº 41 “Júpiter”, Dó maior
I. Allegro vivace
II. Andante cantabile
III. Menuetto. Allegretto - Trio
4. Molto Allegro

Beethoven. Sinfonia nº 3, Mi bemol maior, Op. 55 ("Heroico")
I. Allegro com brio
II. Márcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
4. Final: Allegro molto, Poco Andante

Schubert. Sinfonia nº 8 em si menor (a chamada “Inacabada”)
I. Allegro moderado
II. Andante com moto

Berlioz. Sinfonia Fantástica
Eu. Sonhos. Passion: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. Bola: Valse. Allegro não troppo
III. Cena nos campos: Adagio
4. Procissão até a execução: Allegretto non troppo
V. Um sonho na noite do sábado: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

Borodin. Sinfonia nº 2 “Bogatyrskaya”
I. Alegro
II. Scherzo. Prestíssimo
III. Andante
4. Final. Alegro

3. A primeira parte é a mais complexa em design. Em uma sinfonia clássica, geralmente é escrito na forma da chamada sonata Alegro. A peculiaridade desta forma é que nela colidem e se desenvolvem pelo menos dois temas principais, que em termos mais gerais pode ser dito como expressando o masculino (este tema é geralmente chamado festa principal, já que pela primeira vez ocorre na tonalidade principal da obra) e no princípio feminino (este festa paralela- soa em uma das teclas principais relacionadas). Esses dois tópicos principais estão de alguma forma conectados, e a transição do principal para o secundário é chamada parte de conexão. A apresentação de todo esse material musical costuma ter uma certa conclusão, esse episódio se chama jogo final.

Se ouvirmos uma sinfonia clássica com uma atenção que nos permita distinguir imediatamente estes elementos estruturais desde o primeiro contacto com esta obra, descobriremos modificações destes temas principais no decorrer do primeiro movimento. Com o desenvolvimento da forma sonata, alguns compositores - e Beethoven o primeiro deles - conseguiram identificar elementos femininos no tema de um personagem masculino e vice-versa, e no decorrer do desenvolvimento desses temas, “iluminá-los” em diferentes caminhos. Esta é talvez a personificação mais brilhante - tanto artística quanto lógica - do princípio da dialética.

Toda a primeira parte da sinfonia é construída em três partes, em que primeiro os temas principais são apresentados ao ouvinte, como se estivessem expostos (por isso esta seção é chamada de exposição), depois passam por desenvolvimento e transformação (o segundo seção é o desenvolvimento) e, finalmente, o retorno - seja em sua forma original ou em alguma nova capacidade (reprise). Este é o esquema mais geral para o qual cada um dos grandes compositores contribuiu com algo próprio. Portanto, não encontraremos duas construções idênticas não só entre compositores diferentes, mas também entre o mesmo. (Claro, se estivermos falando de grandes criadores.)

4. Depois da primeira parte geralmente tempestuosa da sinfonia, certamente deve haver lugar para uma música lírica, calma, sublime, enfim, fluindo em câmera lenta. A princípio, esta era a segunda parte da sinfonia e era considerada uma regra bastante rígida. Nas sinfonias de Haydn e Mozart, o movimento lento é justamente o segundo. Se houver apenas três movimentos numa sinfonia (como na década de 1770 de Mozart), então o movimento lento acaba por ser o do meio. Se a sinfonia tem quatro movimentos, então nas primeiras sinfonias um minueto foi colocado entre o movimento lento e o final rápido. Mais tarde, começando com Beethoven, o minueto foi substituído por um scherzo rápido. Porém, em algum momento os compositores decidiram se desviar dessa regra, e então o movimento lento passou a ser o terceiro da sinfonia, e o scherzo passou a ser o segundo movimento, como vemos (ou melhor, ouvimos) em “Bogatyr” de A. Borodin. sinfonia.

5. Os finais das sinfonias clássicas são caracterizados por movimentos vivos com características de dança e música, muitas vezes com espírito folclórico. Às vezes, o final de uma sinfonia transforma-se numa verdadeira apoteose, como na Nona Sinfonia de Beethoven (Op. 125), onde um coro e cantores solo foram introduzidos na sinfonia. Embora esta tenha sido uma inovação para o gênero sinfônico, não foi para o próprio Beethoven: ainda antes ele compôs a Fantasia para piano, coro e orquestra (Op. 80). A sinfonia contém a ode “To Joy” de F. Schiller. O finale é tão dominante nesta sinfonia que os três movimentos que o precedem são percebidos como uma grande introdução a ela. A performance deste final com o apelo “Abraço, milhões!” na abertura da Sessão Geral da ONU - a melhor expressão das aspirações éticas da humanidade!

Grandes criadores de sinfonias

José Haydn

Joseph Haydn viveu uma vida longa (1732–1809). O período de meio século de sua atividade criativa foi marcado por duas circunstâncias importantes: a morte de J. S. Bach (1750), que encerrou a era da polifonia, e a estreia da Terceira Sinfonia (“Eroica”) de Beethoven, que marcou o início da a era do romantismo. Durante estes cinquenta anos as antigas formas musicais - missa, oratório e concerto grosso- foram substituídos por novos: sinfonia, sonata e quarteto de cordas. O principal local onde agora se ouviam obras escritas nesses gêneros não eram igrejas e catedrais, como antes, mas sim os palácios de nobres e aristocratas, o que, por sua vez, levou a uma mudança nos valores musicais - a poesia e a expressividade subjetiva entraram em moda.

Em tudo isso, Haydn foi um pioneiro. Muitas vezes - embora não muito corretamente - ele é chamado de “pai da sinfonia”. Alguns compositores, por exemplo Jan Stamitz e outros representantes da chamada escola de Mannheim (Mannheim em meados do século XVIII era a cidadela do sinfonismo inicial), já tinham começado a compor sinfonias em três movimentos muito antes de Haydn. No entanto, Haydn elevou esta forma a um nível muito superior e mostrou o caminho para o futuro. Seus primeiros trabalhos trazem a marca da influência de C. F. E. Bach, e os posteriores antecipam um estilo completamente diferente - Beethoven.

Vale ressaltar que ele começou a criar composições que adquiriram importante significado musical quando completou quarenta anos. Fertilidade, diversidade, imprevisibilidade, humor, inventividade - é isso que torna Haydn muito acima do nível de seus contemporâneos.

Muitas das sinfonias de Haydn receberam títulos. Deixe-me dar a você alguns exemplos.

A. Abakumov. Interpretar Haydn (1997)

A famosa sinfonia nº 45 chamava-se “Adeus” (ou “Sinfonia à luz de velas”): nas últimas páginas do final da sinfonia, os músicos, um após o outro, param de tocar e saem do palco, deixando apenas dois violinos, encerrando o sinfonia com acorde interrogativo la - Fá sustenido. O próprio Haydn contou uma versão semi-humorística da origem da sinfonia: Certa vez, por muito tempo, o príncipe Nikolai Esterhazy não permitiu que os membros da orquestra deixassem Eszterhazy e fossem para Eisenstadt, onde moravam suas famílias. Querendo ajudar seus subordinados, Haydn compôs a conclusão da sinfonia “Farewell” na forma de uma dica sutil ao príncipe - um pedido de licença expresso em imagens musicais. A dica foi compreendida e o príncipe deu as ordens apropriadas.

Na era do romantismo, o caráter humorístico da sinfonia foi esquecido e ela passou a ser dotada de um significado trágico. Schumann escreveu em 1838 sobre os músicos apagando as velas e saindo do palco durante o final da sinfonia: “E ninguém riu ao mesmo tempo, pois não havia tempo para rir”.

A Sinfonia nº 94 “Com um golpe de tímpanos, ou surpresa” recebeu esse nome devido ao efeito humorístico do movimento lento - seu clima pacífico é perturbado por um golpe agudo de tímpanos. O nº 96 “Milagre” passou a ser chamado assim devido a circunstâncias aleatórias. No concerto em que Haydn regeria esta sinfonia, o público, com sua aparição, correu do meio da sala para as primeiras filas vazias, e o meio estava vazio. Naquele momento, um lustre desabou no centro do salão, apenas dois ouvintes ficaram levemente feridos. Exclamações foram ouvidas no salão: “Milagre! Milagre!" O próprio Haydn ficou profundamente impressionado com a salvação involuntária de muitas pessoas.

O nome da sinfonia nº 100 “Militar”, pelo contrário, não é de todo acidental - as suas partes extremas com os seus sinais e ritmos militares pintam claramente um quadro musical do campo; até mesmo o Minueto aqui (terceiro movimento) é de um tipo “exército” bastante arrojado; a inclusão de instrumentos de percussão turcos na partitura da sinfonia encantou os amantes da música londrina (cf. "Marcha Turca" de Mozart).

Nº 104 “Salomon”: não é uma homenagem ao empresário John Peter Salomon, que tanto fez por Haydn? É verdade que o próprio Salomon tornou-se tão famoso graças a Haydn que foi enterrado na Abadia de Westminster “por trazer Haydn para Londres”, conforme indicado em sua lápide. Portanto, a sinfonia deveria ser chamada exatamente “Com A Lomon”, e não “Salomão”, como às vezes é encontrado em programas de concertos, o que orienta incorretamente os ouvintes para o rei bíblico.

Wolfgang Amadeus Mozart

Mozart escreveu suas primeiras sinfonias quando tinha oito anos e a última aos trinta e dois. O seu número total é superior a cinquenta, mas vários jovens não sobreviveram ou ainda não foram descobertos.

Se você seguir o conselho de Alfred Einstein, o maior especialista em Mozart, e comparar esse número com apenas nove sinfonias de Beethoven ou quatro de Brahms, ficará imediatamente claro que o conceito do gênero sinfônico é diferente para esses compositores. Mas se destacarmos as sinfonias de Mozart que, como as de Beethoven, são realmente dirigidas a um determinado público ideal, ou seja, a toda a humanidade ( humanitas), então acontece que Mozart também não escreveu mais do que dez dessas sinfonias (o próprio Einstein fala de “quatro ou cinco”!). "Praga" e a tríade de sinfonias de 1788 (nº 39, 40, 41) são uma contribuição incrível para o tesouro da sinfonia mundial.

Destas três últimas sinfonias, a do meio, a nº 40, é a mais conhecida. Apenas “A Little Night Serenade” e a abertura da ópera “As Bodas de Fígaro” podem competir com ela em popularidade. Embora os motivos da popularidade sejam sempre difíceis de determinar, um deles neste caso pode ser a escolha do tom. Esta sinfonia foi escrita em Sol menor - uma raridade para Mozart, que preferia tons maiores alegres e alegres. Das quarenta e uma sinfonias, apenas duas foram escritas em tom menor (isso não significa que Mozart não escreveu música menor em sinfonias maiores).

Seus concertos para piano têm estatísticas semelhantes: de vinte e sete, apenas dois têm tom menor. Considerando os tempos sombrios em que esta sinfonia foi criada, pode parecer que a escolha da tonalidade foi predeterminada. Contudo, há mais nesta criação do que apenas as tristezas cotidianas de qualquer pessoa. Devemos lembrar que, naquela época, os compositores alemães e austríacos se encontravam cada vez mais à mercê das ideias e imagens do movimento estético na literatura, denominado “Sturm and Drang”.

O nome do novo movimento foi dado pelo drama de F. M. Klinger “Sturm and Drang” (1776). Um grande número de dramas surgiu com heróis incrivelmente apaixonados e muitas vezes inconsistentes. Os compositores também ficaram fascinados pela ideia de expressar com sons a intensidade dramática das paixões, a luta heróica e, muitas vezes, o anseio por ideais irrealizáveis. Não é de surpreender que nesta atmosfera Mozart também tenha se voltado para tonalidades menores.

Ao contrário de Haydn, que sempre teve certeza de que suas sinfonias seriam executadas - seja na frente do Príncipe Esterhazy, ou, como as "londrinas", diante do público londrino - Mozart nunca teve tal garantia e, apesar disso, ele foi incrivelmente prolífico. Se as suas primeiras sinfonias são muitas vezes divertidas ou, como diríamos agora, música “leve”, então as suas sinfonias posteriores são o “ponto alto do programa” de qualquer concerto sinfónico.

Ludwig van Beethoven

Beethoven criou nove sinfonias. Provavelmente há mais livros escritos sobre eles do que notas nesta herança. As maiores de suas sinfonias são a Terceira (Mi bemol maior, “Eroica”), a Quinta (Dó menor), a Sexta (Fá maior, “Pastoral”) e a Nona (Ré menor).

...Viena, 7 de maio de 1824. Estreia da Nona Sinfonia. Documentos sobreviventes testemunham o que aconteceu então. O próprio anúncio da próxima estreia foi digno de nota: “A Grande Academia de Música, organizada pelo Sr. Ludwig van Beethoven, acontecerá amanhã, 7 de maio.<...>Os solistas serão a Sra. Sontag e a Sra. Unger, bem como os Srs. Heitzinger e Seipelt. O concertino da orquestra é o Sr. Schuppanzig, o maestro é o Sr.<...>O Sr. Ludwig van Beethoven participará pessoalmente da direção do concerto.”

Essa direção acabou resultando na condução da sinfonia pelo próprio Beethoven. Mas como isso pôde acontecer? Afinal, a essa altura Beethoven já estava surdo. Vejamos os relatos de testemunhas oculares.

“Beethoven regeu-se sozinho, ou melhor, ficou em frente à tribuna do maestro e gesticulou como um louco”, escreveu Joseph Böhm, o violinista da orquestra que participou naquele concerto histórico. - Primeiro ele se esticou para cima, depois quase se agachou, agitando os braços e batendo os pés, como se ele próprio quisesse tocar todos os instrumentos ao mesmo tempo e cantar para todo o coro. Na verdade, Umlauf cuidava de tudo e nós, músicos, apenas cuidávamos da sua batuta. Beethoven ficou tão entusiasmado que desconhecia completamente o que acontecia ao seu redor e não prestou atenção aos aplausos tempestuosos, que mal chegaram à sua consciência devido à sua deficiência auditiva. No final de cada número, eles tinham que lhe dizer exatamente quando se virar e agradecer ao público pelos aplausos, o que ele fazia de forma muito estranha.”

No final da sinfonia, quando os aplausos já trovejavam, Caroline Unger aproximou-se de Beethoven e parou suavemente sua mão - ele ainda continuou a reger, sem perceber que a apresentação havia acabado! - e virou-se para o corredor. Então ficou óbvio para todos que Beethoven era completamente surdo...

O sucesso foi enorme. Foi necessária a intervenção da polícia para acabar com os aplausos.

Peter Ilitch Tchaikovsky

No gênero da sinfonia P.I. Tchaikovsky criou seis obras. Última Sinfonia - Sexta, Si menor, Op. 74 – chamado de “Patético” por ele.

Em fevereiro de 1893, Tchaikovsky apresentou um plano para uma nova sinfonia, que se tornou a Sexta. Em uma de suas cartas, ele diz: “Durante a viagem, tive a ideia de outra sinfonia... com um programa que permanecerá um mistério para todos... Esse programa é muito impregnado de subjetividade, e muitas vezes durante a viagem, compondo-a mentalmente, choro muito."

A sexta sinfonia foi gravada pelo compositor muito rapidamente. Em apenas uma semana (4 a 11 de fevereiro), ele gravou toda a primeira parte e metade da segunda. Depois a obra foi interrompida por algum tempo por uma viagem de Klin, onde o compositor então morava, a Moscou. Voltando a Klin, trabalhou na terceira parte de 17 a 24 de fevereiro. Depois houve outra pausa, e na segunda quinzena de março o compositor completou o final e a segunda parte. A orquestração teve que ser adiada um pouco porque Tchaikovsky tinha várias outras viagens planejadas. No dia 12 de agosto, a orquestração foi concluída.

A primeira apresentação da Sexta Sinfonia ocorreu em São Petersburgo em 16 de outubro de 1893, sob a regência do autor. Tchaikovsky escreveu após a estreia: “Algo estranho está acontecendo com esta sinfonia! Não é que eu não tenha gostado, mas causou alguma confusão. Quanto a mim, tenho mais orgulho dela do que de qualquer outra composição minha.” Outros acontecimentos foram trágicos: nove dias após a estreia da sinfonia, P. Tchaikovsky morreu repentinamente.

V. Baskin, autor da primeira biografia de Tchaikovsky, que esteve presente tanto na estreia da sinfonia como na sua primeira apresentação após a morte do compositor, quando E. Napravnik regeu (esta actuação tornou-se triunfante), escreveu: “Lembramos o clima triste que reinou no salão da Assembleia da Nobreza No dia 6 de novembro, quando a sinfonia “Patética”, que não foi totalmente apreciada na primeira apresentação sob a batuta do próprio Tchaikovsky, foi executada pela segunda vez. Nesta sinfonia, que, infelizmente, se tornou o canto do cisne do nosso compositor, ele apareceu novo não só no conteúdo, mas também na forma; em vez do habitual Alegro ou Presto isso começa Adágio lamentoso, deixando o ouvinte com o humor mais triste. Naquilo Adágio o compositor parece dizer adeus à vida; gradual mais(Italiano - desvanecimento) de toda a orquestra nos lembrou o famoso final de Hamlet: “ O resto está em silêncio"(Avançar - silêncio)."

Aliás, só pudemos falar brevemente sobre algumas obras-primas da música sinfônica, deixando de lado o próprio tecido musical, já que tal conversa exige o som real da música. Mas mesmo a partir desta história fica claro que a sinfonia como gênero e as sinfonias como criações do espírito humano são uma fonte inestimável do maior prazer. O mundo da música sinfônica é enorme e inesgotável.

Com base em matérias da revista “Art” nº 08/2009

No pôster: Grande Salão da Filarmônica Acadêmica de São Petersburgo em homenagem a D. D. Shostakovich. Tory Huang (piano, EUA) e a Orquestra Sinfônica Acadêmica Filarmônica (2013)

Palestra

Gêneros sinfônicos

A história do nascimento da sinfonia como gênero

A história da sinfonia como gênero remonta a cerca de dois séculos e meio.

No final da Idade Média, na Itália, foi feita uma tentativa de reviver o drama antigo. Isso marcou o início de um tipo completamente diferente de arte musical e teatral - a ópera.
Nas primeiras óperas europeias, o coro não desempenhava um papel tão importante como os cantores solo com um grupo de instrumentistas que os acompanhavam. Para não interferir na visão do público sobre os artistas no palco, a orquestra foi localizada em um recesso especial entre as barracas e o palco. No início, esse local específico foi chamado de “orquestra” e depois os próprios intérpretes.

SINFONIA(Grego) - consonância. Durante o período dos séculos XVI-XVIII. esse conceito significava “combinação eufônica de sons”, “canto coral harmonioso” e “obra musical polifônica”.

« Sinfonias" chamado intervalos orquestrais entre atos da ópera. « Orquestras"(grego antigo) eram chamados áreas em frente ao palco do teatro, onde originalmente ficava o coral.

Somente nos anos 30 e 40. No século XVIII, formou-se um gênero orquestral independente, que passou a ser chamado de sinfonia.

O novo gênero foi uma obra composta por várias partes (ciclo), sendo que a primeira parte, que contém o sentido principal da obra, deve certamente corresponder à “forma sonata”.

O berço da orquestra sinfônica é a cidade de Mannheim. Aqui, na capela do eleitor local, formou-se uma orquestra, cuja arte teve uma enorme influência na criatividade orquestral e em todo o desenvolvimento subsequente da música sinfónica.
« Esta extraordinária orquestra tem muito espaço e arestas- escreveu o famoso historiador musical Charles Burney. Aqui foram utilizados os efeitos que tal massa de sons pode produzir: foi aqui que nasceu o “crescendo” “diminuendo”, e o “piano”, que antes era usado principalmente como eco e costumava ser sinônimo dele, e “ forte” eram reconhecidas como cores musicais, possuindo tonalidades próprias, como o vermelho ou o azul na pintura...”

Alguns dos primeiros compositores a trabalhar no gênero sinfônico foram:

Italiano - Giovanni Sammartini, francês - François Gossec e compositor tcheco - Jan Stamitz.

Mesmo assim, Joseph Haydn é considerado o criador do gênero sinfônico clássico. Ele possui os primeiros exemplos brilhantes de sonata para teclado, trio de cordas e quarteto. Foi na obra de Haydn que o género sinfónico nasceu e tomou forma e tomou a sua forma final, como dizemos agora, clássica.

I.Haydn e W.Mozart resumiram e criaram na criatividade sinfônica tudo de melhor que a música orquestral era rica antes deles. E, ao mesmo tempo, as sinfonias de Haydn e Mozart abriram possibilidades verdadeiramente inesgotáveis ​​para um novo gênero. As primeiras sinfonias desses compositores foram pensadas para uma pequena orquestra. Mas posteriormente I. Haydn expande a orquestra não apenas quantitativamente, mas também através do uso de combinações sonoras expressivas de instrumentos que correspondem apenas a um ou outro de seus planos.

Esta é a arte da instrumentação ou orquestração.

Orquestração- este é um ato criativo vivo, a concepção das ideias musicais do compositor. Instrumentação é criatividade – um dos aspectos da alma da própria composição.

Durante o período de criatividade de Beethoven, foi finalmente formada a composição clássica da orquestra, que incluía:

Cordas,

Composição emparelhada de instrumentos de madeira,

2 (às vezes 3-4) chifres,

2 tímpanos. Essa composição é chamada pequeno.

G. Berlioz e R. Wagner procuraram aumentar a escala sonora da orquestra aumentando a composição em 3-4 vezes.

O auge da música sinfônica soviética foi obra de S. Prokofiev e D. Shostakovich.

Sinfonia...É comparado a um romance e a um conto, a um filme épico e a um drama, a um afresco pitoresco. Significado Todas essas analogias são claras. Neste gênero é possível expressar o que é importante, às vezes o mais importante para o qual a arte existe, para o qual uma pessoa vive no mundo - o desejo de felicidade, de luz, de justiça e de amizade.

Uma sinfonia é uma peça musical para uma orquestra sinfônica, escrita em forma cíclica-sonata. Geralmente consiste em 4 partes que expressam pensamentos artísticos complexos sobre a vida humana, sobre o sofrimento e as alegrias humanas, aspirações e impulsos. Existem sinfonias com mais e menos partes, até um movimento.

Para melhorar os efeitos sonoros, às vezes as sinfonias incluem coral e vocais solo. Existem sinfonias para orquestras de cordas, de câmara, espirituais e outras, para orquestra com instrumento solo, órgão, coro e conjunto vocal... . Quatro partes as sinfonias expressam contrastes típicos de estados de vida: imagens de luta dramática (primeiro movimento), episódios humorísticos ou de dança (minueto ou scherzo), contemplação sublime (movimento lento) e um final solene ou de dança folclórica.

Música sinfônica é a música destinada a ser executada por um sinfônico
orquestra; o campo mais significativo e rico da música instrumental,
cobrindo grandes obras com várias partes, ricas em ideológicas complexas
conteúdo emocional e pequenas peças musicais.O tema principal da música sinfônica é o tema do amor e o tema da inimizade.

Orquestra Sinfónica,
combinando uma variedade de instrumentos, fornece uma paleta rica
cores sonoras, meios expressivos.

As seguintes obras sinfônicas ainda são extremamente populares: Sinfonia nº 3 (“Eroica”) de L. Beethoven, nº 5, Abertura “Egmont”;

P Sinfonia de Tchaikovsky nº 4, nº 6, Abertura Romeu e Julieta, concertos (foco,

Sinfonia nº 7 de S. Prokofiev

I. Fragmentos de Stravinsky do balé “Petrushka”

Sinfojazz de J. Gershwin “Rhapsody in Blue”

A música para orquestra desenvolveu-se em constante interação com outros tipos de arte musical: música de câmara, música de órgão, música coral, música de ópera.

Gêneros característicos dos séculos XVII-XVIII: suíte, concerto- conjunto-orquestral, abertura amostra de ópera. Tipos de suítes do século XVIII: divertissement, serenata, noturno.

A poderosa ascensão da música sinfônica está associada à promoção da sinfonia, ao seu desenvolvimento como forma de sonata cíclica e ao aperfeiçoamento do tipo clássico de orquestra sinfônica. Muitas vezes eles começaram a introduzir outros tipos de música sinfônica na sinfonia. coral e vocais solo. O princípio sinfônico nas obras vocais e orquestrais, na ópera e no balé intensificou-se. Gêneros de música sinfônica também incluem sinfonieta, variações sinfônicas, fantasia, rapsódia, lenda, capricho, scherzo, medley, marcha, danças diversas, miniaturas diversas, etc. O repertório do concerto sinfônico também inclui fragmentos orquestrais individuais de óperas, balés, dramas, peças de teatro, filmes.

Música sinfônica do século XIX. incorporou um enorme mundo de ideias e emoções. Reflete temas sociais amplos, experiências mais profundas, imagens da natureza, vida cotidiana e fantasia, personagens nacionais, imagens de artes espaciais, poesia e folclore.

Existem diferentes tipos de orquestra:

Banda militar (composta por instrumentos de sopro - metais e madeira)

Orquestra de cordas:.

A orquestra sinfônica é a maior em composição e a mais rica em capacidades; destinado à execução de concertos de música orquestral. A orquestra sinfônica em sua forma moderna não surgiu de imediato, mas como resultado de um longo processo histórico.

Uma orquestra sinfônica de concerto, ao contrário de uma orquestra de ópera, está localizada diretamente no palco e está constantemente no campo de visão do público.

Devido às tradições históricas, as orquestras sinfônicas de concertos e óperas diferem há muito tempo em sua composição, mas hoje em dia essa diferença quase desapareceu.

O número total de músicos de uma orquestra sinfônica não é constante: pode oscilar entre 60-120 (e até mais) pessoas. Um grupo tão grande de participantes requer uma liderança hábil para um jogo coordenado. Este papel pertence ao maestro.

Até o início do século XIX, o próprio maestro tocava algum instrumento durante a apresentação - por exemplo, o violino. Porém, com o passar do tempo, o conteúdo da música sinfônica tornou-se mais complexo, e esse fato aos poucos obrigou os maestros a abandonarem tal combinação.

Publicações na seção Música

Cinco grandes sinfonias de compositores russos

No mundo da música existem obras únicas e icónicas, cujos sons escrevem a crónica da vida musical. Algumas destas obras representam um avanço revolucionário na arte, outras distinguem-se por um conceito complexo e profundo, outras surpreendem pela extraordinária história da sua criação, as quartas são uma apresentação única do estilo do compositor, e as quintas... são tão bonitas em música que é impossível não mencioná-los. Para crédito da arte musical, existem muitas dessas obras e, como exemplo, vamos falar sobre cinco sinfonias russas selecionadas, cuja singularidade é difícil de superestimar.

Segunda sinfonia (heróica) de Alexander Borodin (Si bemol menor, 1869-1876)

Na Rússia, na segunda metade do século XIX, uma ideia fixa amadureceu entre os compositores: era hora de criar a sua própria sinfonia russa. Nessa altura, na Europa, a sinfonia celebrava o seu centenário, tendo passado por todas as etapas da cadeia evolutiva: desde a abertura operística, que saiu do palco do teatro e foi executada separadamente da ópera, até colossos como a Sinfonia n.º 9 de Beethoven. (1824) ou a Sinfonia Fantástica de Berlioz (1830). Na Rússia, a moda desse gênero não pegou: eles tentaram uma, duas vezes (Dmitry Bortnyansky - Sinfonia de Concerto, 1790; Alexander Alyabyev - sinfonias em Mi menor, Mi bemol maior) - e abandonaram essa ideia para retornaremos a ele décadas depois nas obras de Anton Rubinstein, Miliya Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin e outros.

Os mencionados compositores julgaram com absoluta razão, percebendo que a única coisa de que uma sinfonia russa pode orgulhar-se no contexto da abundância europeia é o seu sabor nacional. E Borodin não tem igual nisso. Sua música respira a extensão de planícies sem fim, a destreza dos cavaleiros russos, a sinceridade das canções folclóricas com suas notas dolorosas e tocantes. O emblema da sinfonia foi o tema principal do primeiro movimento, ao ouvir o qual o amigo e mentor do compositor, o musicólogo Vladimir Stasov, sugeriu dois nomes: primeiro “Leoa”, e depois uma ideia mais apropriada: “Bogatyrskaya”.

Ao contrário das obras sinfônicas do mesmo Beethoven ou Berlioz, baseadas nas paixões e experiências humanas, a Sinfonia Bogatyr fala sobre o tempo, a história e as pessoas. Não há drama na música, nem conflito pronunciado: ela se assemelha a uma série de pinturas que mudam suavemente. E isso se reflete fundamentalmente na estrutura da sinfonia, onde o movimento lento, geralmente em segundo lugar, e o scherzo animado (tradicionalmente vindo depois dele) trocam de lugar, e o final, de forma generalizada, repete as ideias do primeiro movimento. Borodin, desta forma, conseguiu alcançar o máximo contraste na ilustração musical do épico nacional, e o modelo estrutural de Bogatyrskaya serviu posteriormente de modelo para as sinfonias épicas de Glazunov, Myaskovsky e Prokofiev.

Sexta sinfonia (patética) de Pyotr Tchaikovsky (Si menor, 1893)

Há tantas evidências, interpretações e tentativas de explicar seu conteúdo que toda a descrição desta obra poderia consistir em citações. Aqui está uma delas, da carta de Tchaikovsky ao seu sobrinho Vladimir Davydov, a quem a sinfonia é dedicada: “Durante a viagem tive a ideia de outra sinfonia, desta vez programática, mas com um programa que ficaria um mistério para todos. Esse programa é o mais imbuído de subjetividade, e muitas vezes durante minhas viagens, compondo-o mentalmente, chorei muito.”. Que tipo de programa é esse? Tchaikovsky confessa isso à sua prima Anna Merkling, que lhe sugeriu que descrevesse a sua vida nesta sinfonia. "Sim, você adivinhou certo", - confirmou o compositor.

No início da década de 1890, a ideia de escrever memórias visitou repetidamente Tchaikovsky. Os esboços de sua sinfonia inacabada chamada “Life” datam dessa época. A julgar pelos rascunhos sobreviventes, o compositor planejou retratar certas fases abstratas da vida: juventude, sede de atividade, amor, decepção, morte. Porém, o plano objetivo não foi suficiente para Tchaikovsky, e a obra foi interrompida, mas na Sexta Sinfonia ele foi guiado exclusivamente por experiências pessoais. Quão doente deve ter ficado a alma do compositor para que a música nascesse com um poder de influência tão incrível, surpreendente!

A primeira parte lírico-trágica e o final estão indissociavelmente ligados à imagem da morte (no desenvolvimento da primeira parte é citado o tema do canto espiritual “Descanse com os Santos”), como testemunhou o próprio Tchaikovsky ao referir-se a esta sinfonia em resposta à proposta do Grão-Duque Konstantin Romanov de escrever “Requiem” " É por isso que o brilhante intermezzo lírico (valsa de cinco tempos na segunda parte) e o scherzo solene e triunfal são tão percebidos. Há muitas discussões sobre o papel deste último na composição. Parece que Tchaikovsky estava tentando mostrar a futilidade da glória e da felicidade terrena diante da perda inevitável, confirmando assim o grande ditado de Salomão: "Tudo passa. Isto também passará".

Terceira Sinfonia (“Poema Divino”) de Alexander Scriabin (dó menor, 1904)

Se você visitar a Casa-Museu Alexander Scriabin em Moscou em uma noite escura de outono, certamente sentirá a atmosfera estranha e misteriosa que cercou o compositor durante sua vida. Uma estranha estrutura de lâmpadas coloridas sobre a mesa da sala, volumes volumosos sobre filosofia e ocultismo atrás do vidro turvo da porta da estante e, finalmente, um quarto de aparência ascética onde Scriabin, que durante toda a vida teve medo de morrer de envenenamento do sangue, morreu de sepse. Um lugar sombrio e misterioso que demonstra perfeitamente a visão de mundo do compositor.

Não menos indicativo do pensamento de Scriabin é a sua Terceira Sinfonia, que abre o chamado período médio da criatividade. Nessa época, Scriabin formulou gradativamente suas visões filosóficas, cuja essência é que o mundo inteiro é o resultado da própria criatividade e dos próprios pensamentos (solipsismo em seu estágio extremo) e que a criação do mundo e a criação da arte são processos essencialmente semelhantes. Esses processos ocorrem assim: do caos primário do langor criativo surgem dois princípios - ativo e passivo (masculino e feminino). A primeira carrega energia divina, a segunda dá origem ao mundo material com suas belezas naturais. A interação desses princípios cria o eros cósmico, levando ao êxtase - o triunfo livre do espírito.

Por mais estranho que tudo isso possa parecer, Scriabin acreditava sinceramente neste modelo de Gênesis, segundo o qual a Terceira Sinfonia foi escrita. Sua primeira parte é chamada de “Luta” (a luta de um homem-escravo, submisso ao Governante supremo do mundo, e de um homem-deus), a segunda - “Prazeres” (uma pessoa se entrega às alegrias do mundo sensorial , dissolve-se na natureza) e, por fim, o terceiro - “Jogo Divino” (o espírito liberado, “criando o universo com o único poder de sua vontade criativa”, compreende a “alegria sublime da atividade livre”). Mas filosofia é filosofia, e a música em si é maravilhosa, revelando todas as capacidades tímbricas de uma orquestra sinfônica.

Primeira Sinfonia (Clássica) de Sergei Prokofiev (Ré maior, 1916–1917)

O ano é 1917, anos difíceis de guerra, revolução. Parece que a arte deveria franzir a testa sombriamente e contar coisas dolorosas. Mas pensamentos tristes não são para a música de Prokofiev - ensolarada, cintilante, jovem e encantadora. Esta é a sua Primeira Sinfonia.

O compositor se interessou pela obra dos clássicos vienenses ainda em seus anos de estudante. Agora, uma obra à la Haydn saiu de sua pena. “Pareceu-me que se Haydn tivesse vivido até hoje, ele teria mantido seu estilo de escrita e ao mesmo tempo adotado algo novo.”, - Prokofiev comentou sobre sua ideia.

O compositor escolheu uma composição modesta da orquestra, novamente no espírito do classicismo vienense - sem metais pesados. A textura e a orquestração são leves e transparentes, a escala da obra não é grande, a composição é harmoniosa e lógica. Em suma, lembra muito a obra do classicismo, nascida erroneamente no século XX. No entanto, também existem emblemas puramente de Prokofiev, por exemplo, seu gênero favorito de gavota no terceiro movimento em vez de um scherzo (o compositor usou mais tarde este material musical no balé “Romeu e Julieta”), bem como uma aguda “pimenta ”harmonia e um abismo de humor musical.

Sétima Sinfonia (Leningrado) de Dmitri Shostakovich (dó maior, 1941)

Em 2 de julho de 1942, um piloto de 20 anos, o tenente Litvinov, rompeu milagrosamente o cerco inimigo e conseguiu levar remédios e quatro volumosos livros de música com a partitura da Sétima Sinfonia de D.D. para a sitiada Leningrado. Shostakovich, e no dia seguinte uma breve nota apareceu no Leningradskaya Pravda: “A partitura da Sétima Sinfonia de Dmitry Shostakovich foi entregue a Leningrado de avião. A sua apresentação pública terá lugar no Salão Nobre da Filarmónica".

Um evento para o qual a história da música nunca conheceu análogos: numa cidade sitiada, músicos terrivelmente exaustos (todos os que sobreviveram participaram) sob a batuta do maestro Carl Eliasberg executaram a nova sinfonia de Shostakovich. A mesma que o compositor compôs nas primeiras semanas do cerco, até que ele e a sua família foram evacuados para Kuibyshev (Samara). No dia da estreia em Leningrado, 9 de agosto de 1942, o Grande Salão da Filarmônica de Leningrado estava lotado com moradores exaustos da cidade, com rostos translúcidos, mas ao mesmo tempo com roupas elegantes, e militares vindos direto do linha de frente. A sinfonia foi transmitida às ruas através de alto-falantes de rádio. Naquela noite, o mundo inteiro parou e ouviu o feito inédito dos músicos.

...É digno de nota, mas o famoso tema no espírito do “Bolero” de Ravel, que agora é geralmente personificado com um exército fascista movendo-se inconscientemente e destruindo tudo em seu caminho, foi escrito por Shostakovich mesmo antes do início da guerra. No entanto, foi naturalmente incluído na primeira parte da Sinfonia de Leningrado, substituindo o chamado “episódio de invasão”. O final de afirmação da vida também se revelou profético, antecipando a tão almejada Vitória, da qual ainda estava separada por tão longos três anos e meio...

No mundo da música existem obras únicas e icónicas, cujos sons escrevem a crónica da vida musical. Algumas destas obras representam um avanço revolucionário na arte, outras distinguem-se por um conceito complexo e profundo, outras surpreendem pela extraordinária história da sua criação, as quartas são uma apresentação única do estilo do compositor, e as quintas... são tão bonitas em música que é impossível não mencioná-los. Para crédito da arte musical, existem muitas dessas obras e, como exemplo, vamos falar sobre cinco sinfonias russas selecionadas, cuja singularidade é difícil de superestimar.

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SEGUNDA SINFONIA (HEROSA) DE ALEXANDER BORODIN (Si bemol menor, 1869–1876)

Na Rússia, na segunda metade do século XIX, uma ideia fixa amadureceu entre os compositores: era hora de criar a sua própria sinfonia russa. Nessa altura, na Europa, a sinfonia celebrava o seu centenário, tendo passado por todas as etapas da cadeia evolutiva: desde a abertura operística, que saiu do palco do teatro e foi executada separadamente da ópera, até colossos como a Sinfonia n.º 9 de Beethoven. (1824) ou a Sinfonia Fantástica de Berlioz (1830). Na Rússia, a moda desse gênero não pegou: eles tentaram uma, duas vezes (Dmitry Bortnyansky - Sinfonia de Concerto, 1790; Alexander Alyabyev - sinfonias em Mi menor, Mi bemol maior) - e abandonaram essa ideia para retornaremos a ele décadas depois nas obras de Anton Rubinstein, Miliya Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin e outros.

Os mencionados compositores julgaram com absoluta razão, percebendo que a única coisa de que uma sinfonia russa pode orgulhar-se no contexto da abundância europeia é o seu sabor nacional. E Borodin não tem igual nisso. Sua música respira a extensão de planícies sem fim, a destreza dos cavaleiros russos, a sinceridade das canções folclóricas com suas notas dolorosas e tocantes. O emblema da sinfonia foi o tema principal do primeiro movimento, ao ouvir o qual o amigo e mentor do compositor, o musicólogo Vladimir Stasov, sugeriu dois nomes: primeiro “Leoa”, e depois uma ideia mais apropriada: “Bogatyrskaya”.

Ao contrário das obras sinfônicas do mesmo Beethoven ou Berlioz, baseadas nas paixões e experiências humanas, a Sinfonia Bogatyr fala sobre o tempo, a história e as pessoas. Não há drama na música, nem conflito pronunciado: ela se assemelha a uma série de pinturas que mudam suavemente. E isso se reflete fundamentalmente na estrutura da sinfonia, onde o movimento lento, geralmente em segundo lugar, e o scherzo animado (tradicionalmente vindo depois dele) trocam de lugar, e o final, de forma generalizada, repete as ideias do primeiro movimento. Borodin, desta forma, conseguiu alcançar o máximo contraste na ilustração musical do épico nacional, e o modelo estrutural de Bogatyrskaya serviu posteriormente de modelo para as sinfonias épicas de Glazunov, Myaskovsky e Prokofiev.

I. Allegro (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trio: Allegretto (07:50)
III. Andante (13:07)
4. Final: Allegro (23:42)

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SEXTA SINFONIA (PATÉTICA) DE PETER TCHAIKOVSKY (Si menor, 1893)


Há tantas evidências, interpretações e tentativas de explicar seu conteúdo que toda a descrição desta obra poderia consistir em citações. Aqui está uma delas, da carta de Tchaikovsky ao seu sobrinho Vladimir Davydov, a quem a sinfonia é dedicada: “Durante a viagem, tive a ideia de outra sinfonia, desta vez programada, mas com um programa que permaneceria um mistério para todos. Esse programa é o mais imbuído de subjetividade, e muitas vezes durante minhas viagens, compondo-o mentalmente, chorei muito.” Que tipo de programa é esse? Tchaikovsky confessa isso à sua prima Anna Merkling, que lhe sugeriu que descrevesse a sua vida nesta sinfonia. “Sim, você acertou”, confirmou o compositor.

No início da década de 1890, a ideia de escrever memórias visitou repetidamente Tchaikovsky. Os esboços de sua sinfonia inacabada chamada “Life” datam dessa época. A julgar pelos rascunhos sobreviventes, o compositor planejou retratar certas fases abstratas da vida: juventude, sede de atividade, amor, decepção, morte. Porém, o plano objetivo não foi suficiente para Tchaikovsky, e a obra foi interrompida, mas na Sexta Sinfonia ele foi guiado exclusivamente por experiências pessoais. Quão doente deve ter ficado a alma do compositor para que a música nascesse com um poder de influência tão incrível, surpreendente!

A primeira parte lírico-trágica e o final estão indissociavelmente ligados à imagem da morte (no desenvolvimento da primeira parte é citado o tema do canto espiritual “Descanse com os Santos”), como testemunhou o próprio Tchaikovsky ao referir-se a esta sinfonia em resposta à proposta do Grão-Duque Konstantin Romanov de escrever “Requiem” " É por isso que o brilhante intermezzo lírico (valsa de cinco tempos na segunda parte) e o scherzo solene e triunfal são tão percebidos. Há muitas discussões sobre o papel deste último na composição. Parece que Tchaikovsky tentava mostrar a futilidade da glória e da felicidade terrena diante da perda inevitável, confirmando assim a grande frase de Salomão: “Tudo passa. Isto também passará."

1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro com graça 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. Final. Adágio lamentoso 33:44

♫♪ ♫♪ ♫♪

TERCEIRA SINFONIA (“POEMA DIVINO”) DE ALEXANDER SCRYABIN (Dó menor, 1904)

Se você visitar a Casa-Museu Alexander Scriabin em Moscou em uma noite escura de outono, certamente sentirá a atmosfera estranha e misteriosa que cercou o compositor durante sua vida. Uma estranha estrutura de lâmpadas coloridas sobre a mesa da sala, volumes volumosos sobre filosofia e ocultismo atrás do vidro turvo da porta da estante e, finalmente, um quarto de aparência ascética onde Scriabin, que durante toda a vida teve medo de morrer de envenenamento do sangue, morreu de sepse. Um lugar sombrio e misterioso que demonstra perfeitamente a visão de mundo do compositor.

Não menos indicativo do pensamento de Scriabin é a sua Terceira Sinfonia, que abre o chamado período médio da criatividade. Nessa época, Scriabin formulou gradativamente suas visões filosóficas, cuja essência é que o mundo inteiro é o resultado da própria criatividade e dos próprios pensamentos (solipsismo em seu estágio extremo) e que a criação do mundo e a criação da arte são processos essencialmente semelhantes. Esses processos ocorrem assim: do caos primário do langor criativo surgem dois princípios - ativo e passivo (masculino e feminino). A primeira carrega energia divina, a segunda dá origem ao mundo material com suas belezas naturais. A interação desses princípios cria o eros cósmico, levando ao êxtase - o triunfo livre do espírito.

Por mais estranho que tudo isso possa parecer, Scriabin acreditava sinceramente neste modelo de Gênesis, segundo o qual a Terceira Sinfonia foi escrita. Sua primeira parte é chamada de “Luta” (a luta de um homem-escravo, submisso ao Governante supremo do mundo, e de um homem-deus), a segunda - “Prazeres” (uma pessoa se entrega às alegrias do mundo sensorial , dissolve-se na natureza) e, por fim, o terceiro - “Jogo Divino” (o espírito liberado, “criando o universo com o único poder de sua vontade criativa”, compreende a “alegria sublime da atividade livre”). Mas filosofia é filosofia, e a música em si é maravilhosa, revelando todas as capacidades tímbricas de uma orquestra sinfônica.

I. Lento
II. Lutas
III. Voluptas
4. Jeu Divino

♫♪ ♫♪ ♫♪

PRIMEIRA SINFONIA (CLÁSSICA) DE SERGEY PROKOFIEV (Ré maior, 1916–1917)

O ano é 1917, anos difíceis de guerra, revolução. Parece que a arte deveria franzir a testa sombriamente e contar coisas dolorosas. Mas pensamentos tristes não são para a música de Prokofiev - ensolarada, cintilante, jovem e encantadora. Esta é a sua Primeira Sinfonia.

O compositor se interessou pela obra dos clássicos vienenses ainda em seus anos de estudante. Agora, uma obra à la Haydn saiu de sua pena. “Pareceu-me que se Haydn tivesse vivido até hoje, ele teria mantido seu estilo de escrita e ao mesmo tempo adotado algo novo”, comentou Prokofiev sobre sua ideia.

O compositor escolheu uma composição modesta da orquestra, novamente no espírito do classicismo vienense - sem metais pesados. A textura e a orquestração são leves e transparentes, a escala da obra não é grande, a composição é harmoniosa e lógica. Em suma, lembra muito a obra do classicismo, nascida erroneamente no século XX. No entanto, também existem emblemas puramente de Prokofiev, por exemplo, seu gênero favorito de gavota no terceiro movimento em vez de um scherzo (o compositor usou mais tarde este material musical no balé “Romeu e Julieta”), bem como uma aguda “pimenta ”harmonia e um abismo de humor musical.

0:33 I. Allegro
5:20 II. Largueto
9:35 III. Gavotta (não troppo allegro)
11:17 IV. Finale (Molto vivace)

♫♪ ♫♪ ♫♪

SÉTIMA SINFONIA (Leningrado) DE DMITRY SHOSTAKOVICH (Dó maior, 1941)

Em 2 de julho de 1942, um piloto de 20 anos, o tenente Litvinov, rompeu milagrosamente o cerco inimigo e conseguiu levar remédios e quatro volumosos livros de música com a partitura da Sétima Sinfonia de D.D. para a sitiada Leningrado. Shostakovich, e no dia seguinte uma breve nota apareceu no Leningradskaya Pravda: “A partitura da Sétima Sinfonia de Dmitry Shostakovich foi entregue a Leningrado de avião. A sua apresentação pública terá lugar no Salão Nobre da Filarmónica.”

Um evento para o qual a história da música nunca conheceu análogos: numa cidade sitiada, músicos terrivelmente exaustos (todos os que sobreviveram participaram) sob a batuta do maestro Carl Eliasberg executaram a nova sinfonia de Shostakovich. A mesma que o compositor compôs nas primeiras semanas do cerco, até que ele e a sua família foram evacuados para Kuibyshev (Samara). No dia da estreia em Leningrado, 9 de agosto de 1942, o Grande Salão da Filarmônica de Leningrado estava lotado com moradores exaustos da cidade, com rostos translúcidos, mas ao mesmo tempo com roupas elegantes, e militares vindos direto do linha de frente. A sinfonia foi transmitida às ruas através de alto-falantes de rádio. Naquela noite, o mundo inteiro parou e ouviu o feito inédito dos músicos.

...É digno de nota, mas o famoso tema no espírito do “Bolero” de Ravel, que agora é geralmente personificado com um exército fascista movendo-se inconscientemente e destruindo tudo em seu caminho, foi escrito por Shostakovich mesmo antes do início da guerra. No entanto, foi naturalmente incluído na primeira parte da Sinfonia de Leningrado, substituindo o chamado “episódio de invasão”. O final de afirmação da vida também se revelou profético, antecipando a tão almejada Vitória, da qual ainda estava separada por tão longos três anos e meio...

I. Alegreto 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adágio 37:00
4. Allegro não troppo 53:40

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Começa o festival de música dos compositores do Norte do Cáucaso “Música dos vizinhos - música dos amigos”. O festival é realizado com o apoio do Ministério da Cultura da Federação Russa por iniciativa do diretor, diretor artístico da Filarmônica Estatal da República da Ossétia do Norte - Alania, presidente da União dos Compositores da Ossétia do Norte, Artista Homenageado da Rússia, laureado com os Prémios de Estado da Rússia e da Ossétia do Norte, Atsamaz Makoev.

O diretor artístico do festival contou ao Sputnik o que vê como a principal função do evento musical:

Há muito tempo que nós, compositores da nossa região, não nos encontramos nem trocamos visitas criativas mútuas. Devido às dificuldades económicas, as digressões das orquestras sinfónicas tornaram-se proibitivas, mas são elas as principais guardiãs e promotoras das escolas nacionais de composição e dos músicos do Norte do Cáucaso. Até 1991, a Ossétia do Norte sediou o festival anual de música profissional de toda a União, “Verão Musical da Ossétia”, que apresentava anualmente toda a flor da arte performática e de composição soviética: Tikhon Khrennikov, Aram Khachaturian, Dmitry Kabalevsky, Oscar Feltsman, Rodion Shchedrin, Nikita Bogoslovsky, Vladislav Kazenin, Veronica Dudarova, Svyatoslav Richter, David Oistrakh, Oleg Kogan e muitos, muitos outros. Durante um mês inteiro, a nossa república ouviu música de compositores e autores do Norte do Cáucaso e da Transcaucásia.

Decidimos restaurar gradativamente antigas conexões e aprender mais sobre como vivem nossos colegas, o que escrevem, o que realizam. Queremos que a música dos nossos compositores contemporâneos seja mais ouvida e incluída com ousadia nos repertórios das instituições culturais profissionais do Estado da região e do país, e que os nossos compositores estejam na vanguarda do ascenso espiritual das relações interétnicas no Norte do Cáucaso.

Makoev também falou sobre os eventos planejados no âmbito do festival:

O festival abre no dia 18 de outubro em Nalchik, onde a Orquestra Sinfônica Kabardino-Balkaria sob a direção do maestro Peter Temirkanov interpretará obras de compositores da nossa região.

No dia 26 de outubro, em Makhachkala, a Orquestra Sinfônica Nacional do Daguestão, sob a direção do maestro Valery Khlebnikov, apresentará a “Sinfonia de Beslan” (compositor - Atsamaz Makoev - nota do editor). E na primeira parte do concerto se apresentará o famoso violoncelista de São Petersburgo Sergei Raldugin.

No dia 31 de outubro, em Maykop, será apresentada em concerto a ópera “Rolls of Distant Thunder” do nosso contemporâneo Aslan Nekhai. A Orquestra Sinfônica da Adygea e o State Folk Song Ensemble “Islamey” se apresentarão no concerto.

No dia 7 de novembro, acontecerá em Stavropol um concerto da orquestra sinfônica, onde também serão executadas obras vocais sinfônicas de compositores do Norte do Cáucaso. Maestro - Andrey Abramov.

No dia 11 de novembro, um grande concerto de música sinfônica acontecerá em Nazran com obras de compositores da Ossétia, Inguchétia, Chechênia, Daguestão, Kabardino-Balkaria, que será executado pela orquestra conjunta do Daguestão e da Chechênia. Maestro - Valery Khlebnikov.

De 13 a 14 de novembro, quatro concertos serão realizados em Vladikavkaz - o Coro de Câmara do Estado "Alania", a orquestra de instrumentos nacionais da Filarmônica Estadual da Ossétia do Norte, a Orquestra Nacional de Variedades que leva seu nome. K. Suanova, bem como um concerto de música instrumental de câmara. Convidamos convidados de Moscou para o concerto - a liderança do Sindicato dos Compositores da Federação Russa: Alexey Rybnikov, Rashid Kalimullin, Pavel Levadny, bem como todas as organizações de compositores da região,